话剧作为一种舶来品，在北京人艺72年的发展历程中，经历了深刻的民族化探索与转化。在郭沫若、老舍、曹禺等文学巨匠的引领下，以及焦菊隐、林兆华、于是之、郑榕、蓝天野等艺术家的演绎中，北京人艺不断从人民群众的生活中汲取灵感与素材，逐步形成了独具特色的“北京人艺演剧学派”，拥有深厚的精神传承。《茶馆》《雷雨》《日出》等经典剧目久演不衰，至今仍深受观众喜爱。“剧本剧本，一剧之本。”北京人艺与郭沫若、老舍、曹禺三位文学巨匠有着密不可分的情谊，曾有“郭老曹”剧院的美称。老院长曹禺先生创作的《雷雨》《日出》等作品闪烁着人性之光；老舍、郭沫若两位先生则专为北京人艺创作了《茶馆》《蔡文姬》等剧目，他们三人为北京人艺日后的艺术创作树立了丰碑，也成为其风格的奠基人。他们创作的这些中国故事经由北京人艺二度创作搬上舞台，在深入生活、体验生活的基础上，融入了鲜明的民族特色，结合了独特的京味儿风格，又在几十年的薪火相传中不断继承发展独有的魅力，打磨成北京人艺的看家戏，同时造就了一批德艺双馨的艺术家，引领了一代又一代观众的审美。郭沫若、老舍、曹禺为北京人艺演剧风格奠定了文学基础1956年8月，老舍将一个歌颂人民当家作主的剧本初稿带到北京人艺。剧本从戊戌变法开始，一直写到新中国成立后，主线是主张实业救国的秦仲义的故事。当时的老院长曹禺、总导演焦菊隐等一致认为，第一幕写清末一家茶馆的戏非常生动精彩，建议以此为基础，发展成一个通过茶馆变迁反映整个社会、时代风云变幻的剧目。老舍欣然接受建议进行修改，诞生了《茶馆》剧本。《茶馆》中人物众多，跨越三个不同时代，为主创提供了广阔发挥空间，但同时也为二度创作带来巨大挑战。譬如，老舍最初剧本中并未包含“大傻杨”这一角色。剧本共分为三幕，每幕相隔二三十年，如何使观众能够迅速适应这种时代变迁，更好地理解剧情，成了一个难题。若采用画外音解说，会破坏全剧风格；若通过人物之口介绍，又会损害老舍精美的语言。焦菊隐带领主创们集思广益，最终决定在幕间加入一个“数来宝”角色，这一灵感来源于“乐师”“说书先生”，按照这个构思，老舍很快创作出“大傻杨”这一角色以及三段快板场词，“大傻杨”既作为报幕者，又是剧中人物，他的表演将三幕戏的剧情巧妙地串联起来。人物又是如何在舞台上鲜活起来的呢？秉承着“从生活出发，从人物出发”的艺术原则，演员们“下生活”，对角色进行深入观察。饰演王利发的于是之认为，生活中的细节能帮助演员获得角色可贵的自我修养。“王掌柜贴东西手上难免黏上糨糊，就不能碰自己的衣服，于是我两只手只好挓挲着，这让我想起小时候一位邻居，他身上的勤俭、麻利和虽贫穷、低微而又十分讲究整洁的各种特点，也丰富了我的‘王掌柜’。”1958年，《茶馆》首演，收到良好反响；1980年，《茶馆》远赴德国、法国、瑞士演出，赢得外国观众热烈欢迎，实现了中国话剧首次“出海”，被誉为“东方舞台上的奇迹”。如今，《茶馆》已上演六十余年，累计演出超700场，每次上演都成为京城文化盛事。回顾《茶馆》的诞生历程，可以说它是老舍与北京人艺共同孕育的结晶。老舍在创作过程中不断得到北京人艺艺术家的启发和鼓励，他擅长刻画人物，语言诙谐、洞察犀利，为《茶馆》构建了坚实骨架。导演焦菊隐则凭借对戏剧艺术的独特见解和审美，带领一众创作者一起为《茶馆》创造了诸多“教科书”级别的经典场景，赋予剧目鲜活血肉，并为打通气脉、注入精气神。他在现实主义表导演手法中融入传统戏曲的表现手法，使《茶馆》更具民族特色和诗意的韵律感。北京人艺的演剧风格在《茶馆》中得到了充分展现，而这种风格也成为中国戏剧艺术的一面旗帜。虽然《茶馆》也被其他剧社改编或演绎成多种艺术形式，但北京人艺所冲泡的这一杯“茶”，经过时间的酝酿，凝聚出的香韵浑厚、余味悠长，始终令人难以忘怀。于是之、郑榕、蓝天野等老艺术家的“接力棒”一直在传递传承《茶馆》历经了北京人艺两代艺术家的薪火相传。从1958年至1992年，导演焦菊隐携主演于是之、郑榕、蓝天野等老一辈艺术家，将《茶馆》推向戏剧艺术的高峰。1992年，北京人艺建院40周年时，第一代“茶馆人”宣告谢幕，他们在舞台上向观众鞠躬致谢，观众拉起“戏魂国粹”的横幅向他们致敬。《茶馆》承载了一代人的情感记忆，让所有热爱它的观众深感不舍。二十世纪90年代，随着影视剧等流行文化兴起，戏剧艺术“遇冷”，北京人艺也面临着新老交替的考验。“第一代“茶馆人”谢幕后，《茶馆》将由谁来接棒？观众还会买账吗？”这些问题成为业内关注焦点。在此关键时刻，导演林兆华带领梁冠华、吴刚、濮存昕、冯远征、何冰、杨立新等新一代演员握住了《茶馆》接力棒。面对前辈留下的艺术瑰宝，林兆华准备了多套排演方案，年轻演员们也承受着巨大压力。冯远征回忆，接到剧院通知出演《茶馆》时压力很大，一度想要拒绝，“但我们这代人肩上有义不容辞的重任”。1999年，由新一代演员出演的《茶馆》顶着重重压力在世纪之交和观众见面了。自1999年至今，《茶馆》又走过了二十余载春秋。随着二代演员的更替，幕后的舞美工作者也完成了代际传承，无论是台前还是幕后，第二代“茶馆人”都秉持着前辈们“戏比天大”的信念，经过多年舞台打磨，不仅将《茶馆》继承下来，还演出了自己的个性特色。如今，北京人艺《茶馆》每逢上演便一票难求，他们的付出与努力得到了认可，获得了成功。与《茶馆》一样受欢迎的，还有《雷雨》。1934年，曹禺所著剧本《雷雨》发表，震撼了戏剧界。1954年，北京人艺上演由夏淳执导的《雷雨》，受到广泛好评，此后，苏民、郑榕、朱琳等老一辈艺术家都曾出演这一版《雷雨》。在《茶馆》中饰演常四爷的郑榕，当年在《雷雨》中扮演周朴园。郑榕对角色的认识和创作，经历了一段漫长变化的过程。“五六十年代，我想突出说明谁是《雷雨》的罪人，有意识地把人物态度变得强硬起来，与侍萍的相认表现得冷酷无情，与鲁大海表现得没有一点父子之情，结果导致表演上的概念化。”通过与观众的不断交流，以及对生活的深入感悟，郑榕对周朴园有了新的理解：“‘相认’这场戏，既然承认周朴园年轻时对侍萍的爱是真诚的，为什么一定要让他们再见时如临大敌呢？”他在原先演出周朴园“恶”的一面的基础上，又加入了周朴园作为“普通人”的一面，一个更加丰满生动的“周朴园”得以诞生。今年是北京人艺上演《雷雨》70周年，70年来，《雷雨》就在北京人艺艺术家们这样不断地自我审视、解读调整中，持续走向观众。《雷雨》同样经历了传承。1989年，《雷雨》迎来了新老演员的交替，顾威出演周朴园，濮存昕以及刚从北京人艺学员班毕业两年的吴刚饰演周萍，还在中戏学习的龚丽君饰演蘩漪。1997年起，顾威接过了导演的重任。2004年，剧组再次完成传承交接，杨立新出演周朴园，王斑饰演周萍，龚丽君则继续留在《雷雨》中出演蘩漪，80后年轻演员开始加入，老艺术家们与新演员面对面交流，传授表演经验。今年北京人艺迎来建院72周年，当年在《雷雨》中饰演“大少爷”的濮存昕早已晋升为“老爷”角色。濮存昕不仅执导了新版《雷雨》并出演周朴园，还特邀曾经的“四凤”白荟出演新版蘩漪，而演出30余载蘩漪的龚丽君则变成了“侍萍”。经典作品在每个时代焕发出不同风采，当下更是生机勃勃经典不是一成不变的。每一个时代的戏剧，都有新的“写法”，经典作品需要不断被“擦亮”，其魅力才能穿越时代熠熠生辉。北京人艺历史上，几乎每隔20年就会重新排演一次《日出》，创作者们在持续的演出实践中，不断捕捉时代特征，探索与当代观众沟通的桥梁，使得各个版本的《日出》都历久弥新。曹禺先生的《日出》创作于20世纪30年代。1956年，首都剧场落成并正式交由北京人艺使用，其开幕大戏便是由欧阳山尊执导的《日出》，这也是北京人艺的首版《日出》。1981年，北京人民艺术剧院以全新阵容再次排演《日出》，导演刁光覃着重突出了陈白露的三段关键戏份，并在舞台布景上进行了创新尝试。进入21世纪，导演任鸣分别于2000年和2010年推出了两版《日出》。2000版《日出》巧妙地将手机、电脑、人头马、流行音乐和时尚服装等现代元素融入舞台，任鸣认为，《日出》中的人物都是社会角色的缩影，如老板、饭店侍者、工人等，这些角色在任何时代都存在。时代变迁，服饰和语言习惯或许会变，但人性的本质始终如一。他希望观众能通过当代元素更好地与剧作产生共鸣。2010年，为纪念曹禺先生百年诞辰，任鸣再次排演《日出》，这一次他更多忠实于原著，在剧作主题、舞台布景、人物服装、音乐等各个方面都贴合原著时代，最大限度传承和发扬曹禺先生的创作精神。2021年，由冯远征导演的新版《日出》在北京人艺的新剧场——北京国际戏剧中心·曹禺剧场冉冉“升”起。在深刻理解原作的基础上，新版《日出》追求“新”与“突破”。从原剧本出发，通过意象化和夸张化的手法，强化剧本的思想深度和表演感染力；在叙事结构上大胆创新，以方达生的“寻找”为线索，通过他的视角展开整个故事。剧中大胆起用95后演员担纲主演，以更具概括性和表现力的形象和影像，丰富人物表达，捕捉人物内心世界。舞美设计方面，突破传统，舞台由三部分构成：两侧各立一道外八字打开的投影纱幕，中间是一道异形处理的实体大理石墙，一条缓缓游动的金鱼投影其上，象征着剧中人在狭小空间中的无助与彷徨，直至生命终结。在陈白露和小东西自杀的情节设计中，运用实时摄影技术捕捉演员面部表情特写，让观众对剧中人物的命运产生深切同情和感慨。而“日出”的舞台呈现，则是通过大理石翻转后露出的82盏筒灯汇集而成，如同日出时分穿透窗户的阳光，照亮舞台每一个角落。新版《日出》以更广阔的艺术视野为经典作品注入当代元素，融合现代科技手段，传达着现代创作者对经典的全新解读。导演冯远征在2000版《日出》中饰演方达生，如《雷雨》《茶馆》一样，北京人艺的艺术家“演而优则导”“退休不退岗”，这种传、帮、带也成为传承经典、“擦亮”经典的法宝。在包容、吸收西方戏剧文化的同时，北京人艺以民族艺术的优秀传统和美学为根基，从人民生活中汲取灵感，注重本土观众的审美需求，创作、传承了一部部经典剧目，从舶来品到民族化，从引进到出海，中国的戏剧舞台拥有了属于自己的“看家戏”。（作者：戴晨，系北京人艺戏剧博物馆副研究馆员，北京戏剧家协会会员）